MELANCHOLIA: LARS VON TRIER AL MÁXIMO, O COMO ODIAR EL ARTE SOLO POR SU AUTOR

Reconozco que mis entradas son mucho más esporádicas de lo que desearía, mi propósito para el próximo 2012 es ver más cine y dedicarle más tiempo a este blog. 

Hace ya algunas semanas vi Melancholia, lo último y más esperado de Lars Von Trier, uno de mis directores favoritos, cuyas películas han marcado a una generación de nuevos cinéfilos con propuestas atrevidas que van desde su concepción artística como en el caso de Dogville, su espíritu patético como en la trilogía de Golden Heart (Breaking the Weaves, Idioterne y Dancer in the Dark)  hasta su intención transgresora como en Anti Christ.

Ver producciones de este director danés es prepararse para experimentar profundas sensaciones de incomodidad, impotencia, rechazo y si no se está listo una grave indignación; todo ello demuestra el alto grado de control sobre lo que desea proyectar en pantalla, su magistral manejo de las imágenes y su fuerte escuela que mezcla el Nouvelle Vague francés, el neorrealismo italino, el expresionismo alemán, la escuela rusa de Tarkovski y claramente su propio Dogma 95.

Melancholia muestra un alto grado de madurez, a diferencia de Anti Christ, aquí si vemos a Lars von Trier, ya no es el director que se confundió con los homenajes y la estilística prestada con su propia reinterpretación. Ahora es un verdadero referente a su propio estilo, su propio pensamiento. Su visión sombría y patética que fascina y descarna.

A mi forma de ver Melancholia es una película nihilista, que muestra la impotencia y soledad de las criaturas que habitan un mundo más en camino a su destrucción inevitable. La esperanza nunca muere porque no tiene sentido su existencia.

Yo sé que esta crítica constructiva… imposible, es una de la más inespecíficas que he escrito pero quiero dejar la mayor parte de la trama abierta para que nadie deje de considerar ver el film, sea cual sea su reacción y veredicto al final de la película, no pasará desapercibida. Solo quiero adelantar que Kirsten Dunst demuestra que bajo una buena dirección puede ser una excelente actriz, ya habíamos visto algo de ello en Marie Antoinette con SofiaCoppola, pero este caso rebasa ese mérito.

Además quiero remarcar el arte del afiche, que perdurará como una imagen poderosa para el mundo del cine, Ofelia de nuevo flota en el agua del año 2011. Y ello es únicamente una degustación de la calidad gráfica de toda la pelicula.

Otro punto que me gustaría tocar es: ¿Podemos juzgar una obra por su autor? Durante la promoción del filme en Cannes, Lars Von Trier hizo comentarios que se consideraron pro-nazis, lo que causó su expulsión del festival y el señalamiento del público y la cobertura mediática. Pero si estas personas son capaces de mostrar una obra artística tal que rebasa el propio nombre del autor, es  ridículo creer que ello quita valor a la pieza. El arte es trascendente, los autores se convierten en acompañantes de ese camino a la historia. La mayoría de grandes artistas han sido, y son aún, parias de la sociedad, mentes incomprendidas, excéntricas y aisladas que cometen delitos y actos amorales pero son quienes crean y hacen avanzar la maquinaria evolutiva del arte. En otras palabras, se puede vivir del arte, pero la historia dice que esa vida no será muy buena.

Mi recomendación de esta entrada no es para una película sino para otro director que es un paria: la obra de Roman Polanski no se puede juzgar por las ordenes de aprehensión que tiene en su contra, y si cometió un delito debe de ser juzgado por la justicia, no por los críticos. Próximamente se estrenará Carnage; esperemos que sea una obra de arte como muchas de sus otras películas, aquí el tráiler... (me recuerda un poco a algunos trabajos de Buñuel, veremos si tengo razón)

"Puro Mula", Nada mejor que la risa...

Después de una anticipada promoción, por parte de Best Picture System al fin el viernes 25 de febrero estrenaron en cines comerciales la comedia guatemalteca Puro Mula.

La trama es sencilla: un vago es sorprendido por su hermana una mañana de goma obligándole a cuidar a su sobrino, el niño se escapa y ahí comienza todo.

Aún para alguien que no haya visto el tráiler o conocido algo de la producción de antemano es inesperadamente graciosa, la sucesión de eventos es cómica en muchos sentidos y niveles, los personajes son naturales y parecen sacados de nuestros propios barrios citadinos. El lenguaje es excelente, la fluidez con que salen las “malas palabras” es genial por parte de todos los personajes, naturales como las usamos y oímos todos los días, a diferencia de otras películas donde se pretende ofender o impresionar con el vocabulario soez, aquí simplemente refleja la verdadera forma de ser del guatemalteco, un gran atino.

Lo mejor de toda la película es la actuación del personaje principal, Joel Fonseca (Domingo Lemus) sostiene el ritmo durante todo el film, actúa excepcionalmente bien, no es fácil hacer un personaje cómico y mucho menos hacer reír, además le imprime al personaje todo el carácter necesario para hacerlo prácticamente real.

Luego vienen otros personajes memorables, clásicos en todo barrio chapín, el tendero, los niños, el viejo cascarrabias, el policía, la pareja disfuncional, todos bien trabajados. El punto más débil de la película y el guión son, lastimosamente, el sobrino de Joel, del cual ni siquiera sabemos su nombre, permanece en silencio en casi todas sus apariciones y no se redondea el personaje por lo que por momentos puede pasar como utilería para el propio Joel. El otro cabo suelto son los villanos, un trío de bravucones “mamados” que intimidan al barrio solo con caminar por la calle, aunque la idea es buena y puede funcionar para comedia, no dejan de sobrar por su poquísima importancia en la trama, fácilmente se les puede eliminar y dejaría el resto prácticamente intacto.

Es agradable ver a Guatemala reflejada de esta forma, auto-burlona según lo veo, en la pantalla grande, con una buena idea, buena ejecución, y sobre todo con talento que se nota en la dirección, actuación, sonido y edición. Esta película se convierte en un nuevo favorito del cine nacional, porque la comedia vale la pena cuando no es humor de golpes en la ingle y pedos como el que nos tratan de vender en Hollywood, la comedia es un género tan difícil y meritorio como cualquier otro, y este es un ejemplo de ello.

Recomendaciones guatemaltecas, Guatemala tiene buenos exponentes.

Después del artículo sobre 8 Grados, Terremoto en Guatemala no quería dar la impresión de no apreciar el cine producido en el país, y mucho menos, hacer creer que no existe. Guatemala ha producido cine, mucho de él con excelentes factores que se han convertido en muy buenas producciones, que quizás no superen a sus contrapartes internacionales, pero si merecen un puesto dentro del historial de cine latinoamericano:

Quiero empezar una serie de artículos de recomendaciones con al menos cinco películas, pero no me gusta la idea de hacer listados del primero al último porque la apreciación es netamente personal, así que a continuación enumero cinco películas guatemaltecas, que es probable, revelen en su posición la preferencia que tengo por cada una de ellas.

 La primera de la que quiero hablar es Donde Acaban los Caminos, basada en la novela de Mario Monteforte Toledo y dirigida por Carlos García Agraz. Al ser una producción basada en un libro, mucho está ya contado; trata sobre las diferencias que culturalmente han existido entre ladinos e indígenas en Guatemala, y como los mundos se permean al grado que la diferencia únicamente queda en la apreciación del que discrimina, no importando su raza. Dejando a un lado la historia, la producción es casi poética: la forma de retratar el paisaje, los atuendos, los modismos son tomados de forma natural, alejándose del costumbrismo y manteniendo el balance con las buenas actuaciones de la mayoría de los actores. Una muy buena opción para ver a Guatemala plena, con profundos problemas y grandiosas cualidades.

Para continuar, no podía quedar la que se ha convertido en un clásico que ha trascendido el tiempo y ha marcado la historia del cine centroamericano: El Silencio de Neto, dirigida por Luis Argueta. Película que se sitúa al final de la época de primavera que vivió el país en 1954, cuando USA derroca al presidente Arbenz, por resumir todo lo acontecido de forma simplista. En medio de este conflicto un niño debe crecer con el miedo de sus padres sobreprotectores, los sueños callados y la adolescencia inminente. Este film destacó por reactivar la industria de cine nacional, al ofrecer una historia de calidad, con una buena producción. El guión, acompañado por pruebas de fotografía, de vestuarios y comentarios de actores y el director fue editado por la Editorial Universitaria, en un tiraje muy pequeño que vale la pena conseguir, yo tengo el mío.

Hasta ahora ambas opciones están ambientadas en épocas pasadas de la historia guatemalteca, la siguiente recomendación la hago doble, porque ambas películas se podrían complementar para tratar uno de los momentos más oscuros que nos ha tocado vivir, el conflicto armado interno corta la historia de Guatemala., las dos tienen fallas pero dan la opción desde diferentes puntos de vista y de técnica. 

La primera es “Las Cruces, Poblado Próximo”, también producida por Casa Comal, y dirigida por Rafael Rosal y con la actuación principal de Giacomo Buonafina (buen actor, por cierto). La historia de cómo la guerrilla entró en los asentamientos más aislados de Guatemala, tratando de defenderlos de los terrores del ejército, introduce la misma violencia. La frase queda zumbando.

La Guerrilla: Nosotros ponemos las armas.

La población: Y los muertos, ¿nosotros?

Sin embargo la historia no está muy bien consolidada, pierde consistencia en el manejo de la línea de tiempo y “subplots”, pero es una muy buena opción, además de contar con una musicalización o “score” muy bueno.

Dentro de esta recomendación quiero incluir “Gerardi” producida por Moralejas (Sammy y Jimmy Morales), que se alejan de las muestras más chuscas de comedia que tratan de vender por televisión y junto con la Oficina de Derechos Humanos del Arzobispado hacen esta biopic de un caso que vivimos de cerca. Mons. Juan Gerardi fue asesinado días después de presentar el documento más importante que la Iglesia ha dado al pueblo de Guatemala y a la persistencia de la memoria del país, el REMHI, Recuperación de la Memoria Histórica. El film, obviamente tiene la vista parcial desde el punto de la institución católica, pero tiene un gran atino, dentro de su trama se logra distinguir claramente lo que muchos creemos: Aunque no hay nada peor que el ejército, la guerrilla por poco lo iguala. Ambos bandos derramaron sangre guatemalteca en un conflicto infructuoso y vergonzoso. GUATEMALA, NUNCA MÁS!

Dejando de lado la historia del país, quiero situarme en un film que abrió el cine en Guatemala en el nuevo milenio, y de nuevo cito a Casa Comal, la película es “La Casa de Enfrente”, dirigida por Elías Jiménez Trachtenberg, primera película atemporal que refleja el submundo que muchas veces la sociedad trata de negar; la prostitución, la corrupción y la hermandad entre ambos. También tiene el mérito de ser la primera película guatemalteca, que yo conozca, que aborde libremente una fuerte carga sexual dentro de su trama, y además atreverse a proyectarla al público sin tapujos. Esta producción es mucho más afortunada que la cursi y convenenciera secuela “La Casa VIP, La Otra Casa”.

Por último, dejé “Gasolina”, dirigida por Julio Hernández Cordón. Es una película que no gustó mucho al público, pero realmente es una muy buena propuesta de cine experimental, en este caso se nota la dirección en todo el desarrollo, al utilizar jóvenes no actores, el desenvolvimiento es bastante natural y logra su objetivo sobremanera. En síntesis, el guión es un espiral descendente que empieza con el robo recurrente de gasolina a los vecinos de una común colonia de clase media hasta llegar a las más bajas consecuencias, un retrato de la juventud de la nueva generación, sincero y crudo.

Como siempre termino mis notas con una recomendación, no quería dejar fuera un documental que causo furor en las noticias, “Las Estrellas de la Línea” que refleja lo acontecido cuando un grupo de “putas de Q25.00” forman un equipo de futbol para llamar la atención y salir del agujero en que la sociedad las ha sumergido. Vale mucho la pena, lástima que la documental se queda sólo como un espectador y nadie toma medidas para disminuir la situación que aún se vive en la línea del ferrocarril.

De qué película es la frase: “La vida de los muertos consiste en la memoria de los vivos”… pregunten o adivinen!

Black Swan... de Aronofsky o de Natalie Portman?

En los últimos meses se ha oído hablar mucho de Black Swan, lo último de Darren Aronofsky, el mismo director que ha trabajado en muy buen cine gringo, porque lo hay, películas como Pi, Requiem for a Dream y The Wrestler han definido el estilo director, polifacético en sus temas y técnicas para filmar.

Black Swan es protagonizada por Natalie Portman, actriz que empezó como niña en The Professional, luego se perfilo como actriz para Hollywood, pero tal parece que lo suyo es lo independiente, al estilo de Sundance. Su capacidad la hemos visto en películas como V for Vendetta, Closer, My Blueberry Nights y el corto de Wes Anderson, Hotel Chevalier.

En este caso la película gira alrededor de una bailarina de ballet, obsesionada con la perfección, que consigue el rol principal del Lago de los Cisnes, interpretando al cisne blanco y al cisne negro al mismo tiempo. La construcción de la trama, en este caso es el personaje, es impresionante, Nina (Natalie Portman) tiene todas las herramientas para salir de la pantalla y dejar de ser un papel interpretado por una actriz y convertirse en un personaje redondo. Además el ritmo ascendente de la trama, el desenvolvimiento de las situaciones y el clímax de la música la hacen una película digna de permanecer en el tiempo. Es una película perturbadora, jugando con el contraste entre la gracia de la danza y el desequilibrio mental.

También se ha hablado mucho del nivel de erotismo de la película, pero cada escena, erótica o altamente sensual está ubicada en el punto adecuado, sin pretender absorber la atención para desviarla del tema, sino en colaboración directa al personaje y su exposición como una mujer sexualmente reprimida.

El título de esta entrada se debe a que Natalie Portman supera la dirección y se apropia del proyecto, al finalizar la película me di cuenta que Aronofsky, probablemente, se limitaba a cortar la escena, a dirigir la cámara y coordinar al staff, mientras ella trabajaba libremente. Otra cosa que es importante mencionar, es que esta película fácilmente se puede relacionar como parte de un concepto unificado con The Wrestler, sería genial que se hiciera una trilogía tomando estas dos aportaciones como las primeras y quedando pendiente solo una. Son películas que tratan mundos opuestos: La extrema muestra de virilidad contra la extrema muestra de femineidad, pero ambos cercanos en conflictos y constituyéndose como subculturas que gozan de aprecio y culto por públicos opuestos.

Algo más, es una película rodeada de arte, los afiches que se han creado son impresionantes, y la música de Tchaikovsky manipulada a favor de las escenas es estupenda.

La recomendación de hoy la tomé por ser un retrato de locura, perturbadora en muchos sentidos, pero al mismo tiempo fascinante; erótica y enfermiza. Otra actuación impresionante por una actriz, en este caso de Isabelle Huppert. Se trata de “La Pianiste”, dirigida por Michael Haneke.

Como es posible que ya haya visto Black Swan si la estrenan en unos días, adivinen!

127 Horas, muy buena o un intento por repetir Óscar?

Del director Danny Boyle y protagonizada por James Franco. 127 Horas es la historia de Aron Ralston, un aventurero cuyo brazo accidentalmente queda atrapado con una roca, una historia verdadera según se lee en el afiche de la película; afiche que su diseño es muy acertado, según lo interpreto, un reloj de arena en espacio negativo con el paso interrumpido por la piedra, ¡bravo!

Danny Boyle es un director que ha mostrado versatilidad y maestría en diversas películas, donde se lee su sello personal, entre las favoritas están Trainspotting, 28 Days Later y el éxito del año pasado Slumdog Millionaire. 127 Horas no es la excepción.

De inicio la filmografía es espectacular, la combinación de escenas, ritmos y colores son dinámicos, energéticos pero al mismo tiempo tratan de llevarnos a lo intimista y personal que va a ser el resto del filme.

La actuación de James Franco es bastante buena, como ya lo habíamos visto en Milk con la dirección de Gus Van Sant; en este caso es capaz de sostener toda la película sobre su personaje sin cansar, exagerar o perder el interés.

Lo más destacable de la película, es que desarrollándose casi por completo en una pequeña falla en el desierto, con un único personaje en pantalla la mayor parte del tiempo, no es una película tediosa, ni “contemplativa”, mantiene el ritmo ágil y el desarrollo de la historia constante y en creciente interés. El personaje de Aron fue muy bien manejado, llevándolo al plano humano y no al de superhéroe o supervíctima que usualmente sucede cuando se narra este tipo de trama, aunque siempre con el velo de glamour que imprime el cine gringo a sus personajes, aunque Boyle sea inglés. Pero la historia es excelente, el desenlace se logra magistral dejandonos con la sensación: podría yo hacer lo mismo por vivir?

Quizá lo más trillado, y la causa para titular la crítica de la forma en que lo hice, es que estas historias son las favoritas de la Academia, la autorrealización y el deseo de supervivencia excitan a los miembros de la Academia hasta llegar al clímax de la nominación. Y aunque no estoy de acuerdo con estos galardones, nunca puedo evitar ver los nominados y tomarlos como sugerencia, no todo es completamente malo, siempre termino buscando las canciones nominadas y más que todo las nominadas bajo el título de “película en idioma extranjero”, siempre ayuda a ampliar el panorama, especialmente de la industria en países que tradicionalmente no distribuyen sus productos a este lado del mundo.

De ahora en adelante, quiero terminar cada artículo con una recomendación que esté en algo relacionada con la película principal de la crítica, y al tratarse hoy de una biopic de autorrealización, les quiero recomendar “Le Scaphandre et le Papillon” (La Escafandra y la Mariposa) de Julian Schnabel. Basada en la historia real de Jean-Dominic Bauby, un hombre de negocios que quedo completamente paralizado al sufrir un infarto, encuentra que la única forma de expresar sus pensamientos es a través del parpadeo del único ojo que aún controla.

 Si quieren verlas, haganlo.